1. 通用设计方法
1.1 通用设计方法
1.1.1 照明方法简介
没有。对，就是没有。并没有一个所谓的通用的照明方式。只要满足照明概念，就可以使用任何合适的方法。
(资料图)
上一篇文章讲过，不同的领域里照明方式千变万化。学习者千万不要去学习一个所谓的“通用”的照明方法。如果说真有一个方法，那就是去分析不同的需求，然后找到最适合这个作品的照明方式。没有任何两部作品是完全相同的，因此也不会有完全相同的照明方式。
1.1.2 可见性 和 情绪
可见性和情绪在上一篇中已经提到过。而可见性可以被称作是舞台中第一也是最重要的原则。早期照明设计师也遵循这个原则。
照明设计师会先打光来决定可见度，之后再打光来渲染情绪和气氛。然而，有时候，情绪确实能够压到可见度。比如现代的音乐会灯光设计，设计师会先考虑到情绪的渲染，再考虑可见度。
有时候，设计师会使用类似于追光灯等道具来“切断”情绪灯光。
1.1.3 方法和设备的演变
虽然理论上游戏的灯光可以自由发想。但其实还是从真实照明设计中学习。比如说 unity 自带的那几个光源，都是现实中常用的（点光源，聚光源，灯带等）。如果想使用一些比较高级的设计，还是需要向现实世界的灯光道具学习。游戏中的光源数量不受资金的限制，其实可以多看那些不把钱当钱的灯光设计。
1.2 单一光源方法
设计师可能会想使用单一光源照亮的方法，就像太阳和月亮一样，从而产生具有强烈动机的定向照明和单一阴影。但是，实际上这很少用。
因为，首先，很少有点亮整个舞台的照明设备，需要非常高的照明功率。其次，即使有钱买这么贵的照明设备，也很难调控，比如它会照亮一些不想照到的物体，比如附近的大楼，观众等。最后，想要让点光源起到太阳的作用，光源要离的很远，但是一旦远了，就需要更大的功率，所以不太现实。
不过这里要提到一个重要的照明概念，光源越小，阴影越硬，反之越模糊。此外，光源越远，阴影也会越模糊。
虽然用单一光源来照明整个舞台不切实际，但是单一光源确实有些时候可以用来照亮整个场景。比如台灯或者冰箱门打开发出的光。（但是千万注意不要多用，观众对这种方式很容易感到厌倦）
1.3 点光源法照明
大多数舞台照明都是作为点光源来使用。
点光源构成了所有舞台照明设计的基础。照明设计必须考虑到 front，back，down，diagonal，side 和 up 以及 everything in between 这些不同的位置。设计师有时候会使用单一点光源，但大多数时候都会组合使用。没有什么比仅仅使用一系列的下照筒灯来照明，或者仅使用一个对角背光加 cyclorama 来照明更令人激动的现代舞曲了了。也没有什么比看一出只由一连串狭窄的灯池照射下的戏剧更无聊的了。
设计师必须非常了解这些不同位置的灯。他应该在一个实际的舞台的不同位置去尝试，并且在不同的位置上安装不同的照明设备，不同的角度，照亮不同的风景，物体，演员。当掌握了基本的单一光源后，应该将两个或多个照明角度组合在一个区域上。
上面这个练习非常重要，这是所有照明设计的基础
除了自己做练习以外，还有一些书籍提供了一些基本光源在舞台上的照明效果的研究。比如 Jean Rosenthal在她的 “The Magic of Light” 一书中，介绍了一些安装在剧院中典型位置的灯光设备的效果的研究。这份研究包含了许多不同示例的优秀照片，效果图和绘图，还带有使用设备和布局的图方便理解。
1.4 多源方法
就像上面提到的，现代舞台使用多种光源来照明而不是单一光源。
现代剧院里使用 400-500 个照明设备的情况并不少见。并且每个设备都要有调光器或者用物理设备对老式设备进行调光。
1.5 McCandless 方法
1.5.1 McCandless 方法
名字并没有什么特殊含义，就是这个叫 Stanley McCandless 的人提出的系统方法。这个方法是当今现代舞台灯光设计的基础。
1.5.2 表演区域照明
McCandless 提出将舞台分成多个表演区域，每个表演区域都有两个装置，这两个装置作为 front light 放置在头顶上方。这两个装置呈 90 度角，并且应该水平放置呈 45 度。此外，这两个装置应该是一个是暖色另一个是冷色，并且每个区域都应该有调光器。（看不懂直接看下图）
每个区域有两定装置，并不是指装置的位置，这两个装置可以在不同的区域，但是照射在同一个表演区域。（定义里说的是放在头顶上方，但是图里给的是下方，这个没什么问题，只是个概念，并不一定是要在上方）
通常，一个开放式舞台会被分为 9 个区域（根据需求，可以多或者少），每个区域的直径为 8 - 12 英尺（244 - 366 厘米）。位置可能被安排为 3 个台下，3 个台中，3 个台上。
这两个装置为演员提供了可见性，调光器可以让区域变亮变暗，为舞台提供焦点，构图和情绪。这两个装置让演员可以在他的左侧或者右侧表演，且仍处于关键光中。两侧的光为人脸提供了很好的可塑性和形状。而冷暖色的使用则提供了趣味性，对比和自然主义照明。
1.5.3 混合与色调
McCandless 方法先是给演员打光提供可见度，然后再单独为周围环境打光来添加情绪和氛围。有时候都不需要额外加光，直接靠表演区域本身的光再次反射来照亮周围的墙壁。或者，可能需要用 wash 灯或者 flood 灯来照明背景来将其融合进画面（这两个灯的共同点是由很多小灯排列组成，可以发出柔和边缘阴影的光）。
1.5.4 背景，布景
背景，布景，天幕都应该和场景以及演员分开来照明。
1.5.5 重点和特殊点
此外，McCandless 提出还可以添加额外的装置：
一些特殊的表演区域：入口，家具等。
提供动机：太阳，月亮，火光等。
提供投影或者效果。
1.6 区域照明
1.6.1 区域照明（人物）
通常，舞台照明，重点都与表演者的照明相关。而通常，表演者习惯在某一个区域内进行表演，这是一件好事，因为大多数舞台聚光灯倾向于提供局部区域光。
通常灯光设计的第一个元素，就是表演区域灯光，也被称为关键照明，这种照明为表演者提供可见性（对于每个区域而言）。如果有调光器，区域灯光还可以分离和突出区域内的表演者。设计得当的区域灯光也有助于舞台画面的整体，意境，氛围与构图。
对于设计师而言，最重要的是在这个不可见的三维照明区域内，将表演空间可视化。这些区域应该与舞台结构形状相关，或者与表演者的活动和阻塞相关。
1.6.2 表演区域 - 装置
一般用椭圆反射镜或者菲涅尔聚光灯来进行区域照明。
1.6.3 表演区域 - 方法
通常，舞台被分解成多个区域：横跨舞台前方，横跨舞台中间，横跨舞台后方。通常小型舞台是 3 x 3 = 9 个区域。大型歌剧或者音乐剧则是 9 区域宽 X 5 区域深。再大型可能有 100 个区域。
注意，通常舞台前方的区域是奇数（3,5,7,9）。这样舞台中心就有一个区域了，这里也是表演发生最多的地方。
如前所讲，剧院区域照明是 8-12 英寸，而大型竞技场这种区域则一般是 12-20 英寸的区域。
一个区域内可能有多个照明设备，通常，一个区域内可能会同时配备 front light，downlight 和 backlight（根据需求）。也可以用 McCandless 方法。区域照明的主要目标应该是照亮演员，避免照亮背景。因此照明设计师应该仔细选择所有区域照明的角度和方向。
尽管 McCandless 建议装置与水平呈 45 度，但现代照明实践倾向于用 45-60 甚至更大的角度来照明。一般来说，角度越大，照明会越“阴影化”或戏剧性。更高的角度还有助于防止舞台的溢光现象。较低的照明角度则更有利于眼睛和帽子下面的照明。
1.7 混合与色调（布景）
1.7.1 混合与色调
当用区域照明照亮演员后。可能会需要或者不需要给周围的布景提供额外的光线。通常专门用于照亮风景的照明被称为 “调色和混合” 照明，因为其有助于背景和表演区域混合。
如果在小房间内，可能不需要这个方法，因为区域照明的反射足矣照亮墙壁。
不过，如果是表演喜剧，那么墙壁上方的照明就有助于背景提亮，因为背景太暗会让人觉得沉闷并不喜剧。
1.7.2 混合与色调 - 装置
混合与色调倾向于使用不同的灯具类型，具体取决于具体的照明应用。聚光灯，泛光灯，条形灯都有自己的位置。
1.7.3 混合与色调 - 方法
柔和的泛光型灯具通常提供色调和混合照明。条形灯和箱式泛光灯通常用于此应用。
或者，其实也可以用聚光灯，它可以提供更生动的色调和混合形式。可以清晰地调整风景。
1.8 背景照明（背景）
1.8.1 背景照明
用区域照明给演员打光，再用混合与色调给布景打光后，设计师还将给背景打光。（注意布景和背景的区别，布景是物体场景，比如房子，背景就是天空云朵那些）
1.8.2 背景照明 - 装置
通常，背景是用条形灯（也叫灯条）来装饰的。或者不对称的箱型泛光灯，后者可以提供上下均匀的照明。
1.8.3 背景照明 - 方法
通常，背景师试图在背景上实现柔和，均匀，平滑的照明。背景可以仅从顶部，仅从底部，或者同时从顶部和底部照明。天空背景通常由顶部和底部的 3 种不同颜色照明来实现。
当然，有时候背景是直接通过前投影或者后投影实现的。可以添加像是云朵图案或者条纹等形状形成的效果。
1.9 功能照明 Features/Specials
1.9.1 功能照明
功能照明是为了实现一些非常特定应用的照明。
比如舞台上的一架钟，或者一幅画，可能会有一个特定的聚焦灯光装置在上面照明。可以用于减少一般照明，或者用于转移注意力。
甚至可以用于演员，用一些特殊的灯光打在演员，可以造成一些想实现的效果：转移注意力，改变情绪等。
1.9.2 功能照明 - 装置
通常使用的是椭圆形反射器配合像是百叶窗这种光束整形设备来使用。
1.10 秘密方法
前面已经说过了，并没有一种通用的好的设计方法，更没有所谓的照明设计的规则。但是好的照明设计是有秘诀的：知识，理解，经验和熟练程度。许多照明设计师偶尔会去“实验性”地尝试新东西，偶尔会出现非常出色的设计，通常情况下不会，虽然实验也很重要，但是没有系统的方法，是无法产生比较统一和可预测的效果的。
知识和经验：设计师必须全面了解不同的照明器具和不同的照明位置。照明位置就是一直说的 front，back，down，side，diagnal，up。他/她要知道不同的灯具在不同的位置以及不同的结合会产生什么效果。熟练之后就会本能地知道该用哪些灯具和方向，这是纯粹的经验。
理解：设计师必须清晰地知道作品想要表达什么。必须非常熟悉剧本和舞台的灯光目标。
